Art au Sommet du G7

En travaillant avec la photographie, la vidéo et le son, Sara Angelucci explore les contextes sociaux et historiques au sein desquels les images sont créées ; des albums de famille aux photos trouvées. La série Nocturnal Botanical Ontario est une étude minutieuse des plantes locales. Travaillant la nuit, Angelucci a déambulé dans les secteurs urbains et sur les terres publiques afin de photographier les détails de la flore et de la faune. Le résultat invite à une réflexion sur les diverses espèces trouvées sur le territoire, sur leur sort face aux défis écologiques actuels et sur l’importance de la gestion de l’environnement.

Kenojuak Ashevak était une artiste inuk de renommée internationale. Sa pratique artistique a conduit à l’essor de la tradition contemporaine du dessin et de la gravure inuit. Ses œuvres colorées ont joué un rôle important dans la définition de l’identité visuelle du Canada, elles sont reconnues autour du monde pour leurs formes audacieuses et leur puissante composition emblématique. Présents dans plusieurs de ses œuvres, les oiseaux de l’Arctique, notamment les chouettes et les corbeaux, lui ont permis d’explorer des techniques de composition telles que l’équilibre, la couleur, la forme et la texture tout en transmettant de manière ludique les récits oraux inuit.

Amalie Atkins est une artiste multidisciplinaire canadienne d’origine ukrainienne dont la pratique est enracinée dans la mise en récit. Elle explore souvent les liens ancestraux, les raisons pour lesquelles des communautés quittent leur pays natal et la manière dont elles persévèrent. Le film The Diamond Eye Assembly duquel est tirée cette image est basé sur la culture, les lieux et les mythologies des doukhobors et des mennonites ukrainiens qui se sont installés dans la région des Prairies. Grâce à une esthétique similaire à celle des contes populaires, Atkins représente des femmes qui effectuent des tâches quotidiennes – célébrant ainsi la résilience de ses ancêtres et de sa culture.

Pierre Aupilardjuk

n. 1965 à Repulse Bay (Nunavut)
Réside et travaille à Kangiqliniq (Rankin Inlet) (Nunavut)

Shary Boyle

n. 1972 à Toronto (Ontario)
Réside et travaille à Toronto (Ontario)

John Kurok

n. 1977 à Kangiqliniq (Rankin Inlet) (Nunavut)
Réside et travaille à Kangiqliniq (Nunavut)

Cette sculpture collaborative réalisée par les céramistes inuit Pierre Aupilardjuk et John Kurok en collaboration avec l’artiste torontoise Shary Boyle, est le résultat d’une résidence artistique d’un mois à Medalta, un centre des arts de la céramique de renommée mondiale situé à Medicine Hat en Alberta. En travaillant ensemble, ces trois artistes de différents milieux, cultures, genres et âges ont créé une représentation imaginaire et dynamique de Nuliajuk, la déesse des mers inuk, qui converse avec une autre entité spirituelle. Personnage clé de la cosmologie inuk, Nuliajuk est un symbole de l’interconnexion entre les êtres humains et le monde naturel, qui souligne notre dépendance à l’environnement – et les uns aux autres.

Dans son travail, l’artiste calgarienne Ashleigh Bartlett explore les interactions entre la représentation et l’abstraction en réfléchissant à la trajectoire historique de la peinture à travers une perspective féministe et à l’aide de stratégies telles que le collage et le transfert. Growing Pains explore la couleur et la forme en créant une impression de mouvement, une profondeur et une complexité. Le titre de l’œuvre évoque l’inconfort qui accompagne souvent la croissance en reflétant une réalité plus générale selon laquelle, malgré les nombreux défis que pose le travail commun, la coopération est essentielle pour une réussite collective qui a un sens.

L’artiste québécois Jean-Jacques Besner était un designer commercial et d’intérieur dont le travail se situait à l’intersection de l’art et de la technologie. Il a été reconnu pour ses œuvres d’art public modernistes et ses sculptures en métal, ainsi que pour sa contribution à l’Expo 67. Avec son jeu de lumière et d’ombre, Son de flûte est un exemple de l’intérêt que l’artiste portait à l’esthétique et au mouvement.

Catherine Blackburn est une artiste multidisciplinaire et une joaillière membre de la Première Nation d’English River (Dënesųłinë). Elle est reconnue pour son interprétation contemporaine des formes d’art traditionnel autochtones. Le perlage est un aspect important de sa pratique dans laquelle elle combine des techniques historiques et contemporaines pour aborder les sujets de la souveraineté autochtone, de la décolonisation et de la représentation. Inspirée par le talent de sa défunte grand-mère pour la confection de vêtement et le perlage, Bodies and Homelands montre l’artiste assise dos à la caméra revêtue d’une cape brodée en peau de cerf.

L’artiste canadien d’origine ukrainienne Edward Burtynsky est l’un des plus célèbres photographes au Canada. Il est reconnu pour ses photographies de grande dimension qui examinent les relations entre l’industrie et l’environnement naturel. Ses images visuellement saisissantes captivent tout en soulignant les vastes conséquences de l’activité humaine sur l’environnement. À travers cette forme de militantisme photographique, Burtynsky accentue la nécessité de la durabilité tout en célébrant la beauté tenace du monde, et ce même dans les paysages altérés par la présence humaine.

Jack Hamilton Bush est l’un des peintres canadiens les plus renommés, il a atteint un succès international avec ses peintures abstraites de grande dimension. Possédant un sens aigu de la couleur, de la lumière, de la composition et de la forme, Bush passait souvent de la peinture à l’estampe afin d’explorer ses idées et ses concepts artistiques. Au cours de sa longue carrière, il a expérimenté avec les couleurs et les techniques pour explorer les joies du quotidien. Slow Lean illustre son utilisation des couleurs audacieuses, des lignes solides et de l’équilibre asymétrique dans la création d’œuvres étonnantes d’une simplicité ludique.

Paul Butler est un artiste multidisciplinaire dont la pratique est ancrée dans la communauté, la collaboration et les activités animées par les artistes. En plus de sa pratique d’atelier de longue date, Butler a créé The Collage Party, un studio d’artiste nomade qui, depuis plus de 20 ans, invite des gens de tous horizons et de tous niveaux artistiques à se rassembler pour créer des collages dans un contexte social. En mêlant une forme humaine à des images de la nature, l’œuvre Someone évoque les thèmes de l’harmonie, de l’unité et de l’interdépendance entre les gens et leur environnement

Mark Dicey est un peintre qui crée des œuvres abstraites colorées inspirées par l’histoire et l’évolution de l’abstraction. Ses peintures se caractérisent par des couleurs dynamiques, des lignes ondulantes, des textures et des formes superposées tirées de ses observations de la vie quotidienne, créant ainsi une impression de rythme et d’énergie. Avec ses couleurs intenses et ses formes superposées, l’œuvre Above & Below est représentative du travail de Dicey. Son style visuel distinctif et son intérêt pour la spontanéité reflètent son engagement envers la tradition de l’abstraction en tant que processus dynamique et évolutif, plutôt que comme un style historique figé.

Erik Gamble était un peintre abstrait. Avec ses peintures dynamiques, il explorait la couleur, la forme, la ligne et la texture. Ses œuvres riches en émotions résonnent comme des symphonies, elles sont souvent liées de manière visuelle à sa passion pour la musique. Cunning Stunts illustre la touche libre de Gamble et sa tendance à définir l’espace avec la couleur et la texture plutôt qu’avec un lourd trait, ce qui donne à l’œuvre une spontanéité qui convient à son approche exploratoire de la peinture.

Claude Goulet était un peintre abstrait canadien qui travaillait avec diverses techniques. Que ce soit en utilisant de l’huile et des matériaux mixtes ou des matières moins conventionnelles telles que le sable, il créait des compositions géométriques texturées qui transmettent une interaction dynamique entre la couleur, la lumière et la perception. Équilibre énergétique est un terme qui réfère à l’équilibre entre l’énergie absorbée et l’énergie dépensée. Il en résulte une œuvre qui souligne l’importance de l’équilibre entre la production et la consommation d’énergie pour garantir une utilisation efficace des ressources et le maintien d’un ensemble sain.

Shawn Hunt est un artiste heiltsuk qui combine ses origines écossaise, française et autochtone afin de repousser les limites des dessins de lignes figuratives traditionnels de la côte du Nord-Ouest. Dans son travail, il utilise des matériaux et des motifs novateurs pour créer des œuvres abstraites, surréalistes et sculpturales basées sur la cosmologie ancestrale des Heiltsuks. The Race est une scène onirique qui traduit le sentiment moderne de vouloir « suivre le rythme » tout en préservant un lien avec les identités culturelles. Cette œuvre, de concert avec la photographie d’Amalie Atkins, évoque l’idée d’avancer ensemble dans un esprit de collaboration et de communauté.

Alexander Young (A. Y.) Jackson fut l’un des peintres les plus influents dans l’histoire de l’art canadien et l’un des membres fondateurs du Groupe des sept. Jackson s’est presque exclusivement concentré sur les paysages, il s’intéressait aux représentations du territoire qui allient l’authenticité à une expression audacieuse, colorée et respectueuse du lieu. Son œuvre reflète une époque grandiose et optimiste de l’histoire canadienne en présentant le lien au territoire comme une forme de fierté nationale et d’identité. Algoma Landscape, un don de Maryon E. Pearson à Affaires mondiales Canada, saisit la rude beauté de la région d’Algoma dans le Nord de l’Ontario.

Alex Janvier était membre de la Première Nation de Cold Lake et l’un des artistes canadiens le plus salués. Janvier a joué un rôle déterminant dans la mise en valeur de l’art autochtone sur la scène internationale où il a su le faire reconnaître comme une pratique contemporaine importante. Ses peintures mêlent des images abstraites et figuratives à des couleurs vives souvent symboliques et des lignes courbes qui transmettent la nature cyclique de la vie ainsi que les notions de guérison, d’humilité et de renaissance. Pond Wader est emblématique de l’approche que Janvier avait de la composition ; un éclatement central de couleurs qui irradie vers l’extérieur et reflète la vibration du territoire et des eaux qui relient toutes les choses vivantes.

Roy Kiyooka était un artiste multidisciplinaire canadien d’origine japonaise et une figure importante de l’art de l’Ouest canadien. Il est né en Saskatchewan et a grandi à Calgary. Kiyooka a exploré les thèmes de l’identité, du déplacement et de la culture. Squared Hex présente un motif qui évoque ceux de la gravure sur bois japonaise traditionnelle. Contenu dans quatre carrés, le motif reflète l’expérience de plusieurs Canadiens et Canadiennes qui naviguent entre les identités culturelles au sein des limites de la culture dominante.

Rita Letendre était une célèbre peintre québécoise et abénakise reconnue pour ses œuvres abstraites aux formes dynamiques. Fondée sur les métaphores de la lumière, de la noirceur et du mouvement, la pratique de Letendre était un engagement continu envers le processus de découverte de soi et l’a établi comme une figure clé de l’histoire de l’art canadien. Méar présente la palette de couleurs vives de Letendre et le motif distinctif de la flèche qu’elle a de plus en plus intégré à ses œuvres alors que son intérêt envers ses origines autochtones se développait.  

Né au Nigeria, l’artiste canadien Emmanuel Osahor explore la beauté comme un élément essentiel à la survie et une prémisse à l’épanouissement. Reflétant un respect pour le monde naturel, ses peintures immersives dépeignent des jardins comme des sanctuaires complexes en mêlant la réalité à l’imagination afin d’évoquer le soin humain tout en abordant les inégalités sociales qui entravent ou limitent l’accès à de tels espaces. Pour Osahor, ces espaces verts remplis de paradoxes sont souvent des lieux de privilèges controversés qui offrent une détente, une échappatoire et un refuge requérant un soin constant, une conscience sociale et une gestion de l’environnement.

Caroline Ouellette est une artiste québécoise dont les œuvres explorent la technique du verre et les thèmes de la résistance et de la fragilité. Prenant la forme d’un vase ou d’une carafe, l’œuvre Chardon souligne l’utilité du verre tout en incorporant des éléments de son homonyme floral. La tension entre les formes traditionnelles et contemporaines célèbre la beauté de l’innovation et les manières dont les êtres humains travaillent avec les matériaux naturels

L’artiste des Maritimes n. Serbie Maja Padrov explore les possibilités sculpturales de la poterie fonctionnelle et de la chimie des glaçures. Elle s’intéresse à différents matériaux et à la manière dont ils peuvent être imités et réinterprétés en utilisant des techniques de poterie simples telles que le tournage et la confection à la main, ou encore des tests approfondis avec des glaçures. Confectionnée avec un grès cuit à haute température, Articulate illustre l’habileté de l’artiste à combiner des méthodes traditionnelles à des approches novatrices.

L’artiste des Maritimes n. Finlande Sanna Rahola est connue pour ses œuvres complexes en feutre faites à la main dans lesquelles elle superpose de la laine cardée pour créer des images détaillées et des compositions uniques qui ressemblent souvent à des pastels ou à des peintures. S’appuyant sur la longue tradition des paysages hivernaux dans l’histoire de l’art canadien, Rahola transforme un sujet familier en utilisant des textiles. Acadian Forest est particulièrement remarquable pour son cadre en bouleau jaune scié sur dosse et fait sur mesure. En intégrant un matériau représenté dans la scène, Rahola donne vie à la forêt maritime.

Sabrina Ratté est une artiste canadienne qui Réside et travaille à Paris en France. Elle utilise des techniques médiatiques émergentes afin de créer des écosystèmes numériques qui explorent le lien entre la technologie et la nature. En employant des outils tels que la réalité virtuelle et l’animation, Ratté imagine l’évolution de nouveaux mondes, en particulier ceux dépourvus d’humanité. Pour cet autoportrait, l’artiste a utilisé des numérisations 3D de son propre corps afin d’examiner la place du corps féminin dans le monde numérique et dans la nature. Ici, la cyborg/déesse de Ratté revendique la place qui lui revient dans ce décor luxuriant, quoique simulé.

Jean Paul Riopelle est considéré comme l’un des artistes canadiens les plus importants du vingtième siècle. Artiste prolifique, il est reconnu pour ses peintures expressionnistes abstraites de grand format qu’il créait en appliquant d’épaisses couches de couleur à l’aide d’une truelle ou d’un couteau à palette. Cette peinture du milieu des années 1950 est un prodigieux exemple de la maîtrise par Riopelle de sa technique emblématique durant la période la plus déterminante de sa carrière. Dans cette œuvre, le traitement dramatique du pigment permet d’explorer la texture et la forme tout en accentuant le mouvement et la spontanéité.

La pratique diversifiée d’Enookie Saggiak est influencée par le paysage arctique et son héritage inuk. Ses sculptures, qui incorporent des matériaux naturels et des motifs traditionnels, s’appuient à la fois sur la riche tradition de l’art inuk et sur la florissante scène artistique contemporaine de la communauté de Kinngait. Snowmobile célèbre un mode de transport essentiel tout en évoquant, avec l’utilisation des matériaux hyperlocaux tels que la pierre et les ramures, l’expérience contemporaine singulière de la vie dans le Nord.

Moses Salihou est un peintre canadien né au Cameroun qui mêle l’art du portrait à l’abstraction afin d’explorer les thèmes de l’identité, de la communauté et de l’appartenance. Son travail est profondément influencé par ses origines africaines et son expérience de la société nord-américaine. Nous pouvons le constater dans son application épaisse de la peinture avec un couteau à palette, une technique distincte utilisée par le célèbre peintre canadien Jean Paul Riopelle dont une œuvre est également présentée dans le cadre du Sommet des dirigeants du G7. Salihou applique cette technique dans Homme (Portrait 2), créant ainsi une texture intense qui reflète les complexités internes de l’identité parallèlement aux marqueurs culturels externes.

George Sawchuk était un sculpteur autodidacte qui créait des installations environnementales intégrant l’art au monde naturel. Travaillant principalement avec le bois et les objets trouvés, il était reconnu pour avoir créé et entretenu une galerie dans la forêt dans le secteur entourant sa maison en Colombie-Britannique. Rebirth illustre son approche unique de la sculpture et sa connexion profonde avec la nature, en combinant des objets trouvés et des matériaux naturels afin de créer un dialogue entre le monde artificiel et naturel. 

Robin Smith Peck est une artiste qui travaille avec une technique mixte qui comprend la peinture, les arts d’impression et le collage. Ses œuvres explorent les souvenirs personnels et la signification de la condition humaine. Originaire de Terre-Neuve-et-Labrador, Smith Peck Réside et travaille en Alberta depuis quelques années. Tirant son inspiration des communautés nordiques éloignées et des environnements naturels, elle crée des compositions avec plusieurs couches et textures qui évoquent le paysage et les traces de la mémoire. Swimming on the ‘C’ Side illustre son habileté à plonger dans les complexités de l’expérience humaine et dans les environnements naturels et bâtis.

Sheila Spence est une photographe, militante et gestionnaire artistique qui Réside et travaille à Winnipeg au Manitoba. Son travail photographique examine les thèmes de l’identité, de la communauté et de la représentation. Profondément inspirée par sa région natale des prairies, elle a passé sa carrière à documenter les gens et les lieux qui l’entourent. Dans ce triptyque, Spence met en valeur les nuances de ce paysage, reflétant ainsi le lien étroit qu’elle entretient avec son milieu de vie.

Jeremy Stanbridge est un peintre et un graveur de la Colombie-Britannique qui explore l’interaction entre la couleur, la forme et la perspective afin de créer des illusions visuelles. Appartenant au genre pictural de l’art optique, son travail examine comment ces éléments influencent la perception optique. Abstract Painting (Goforcrysham) présente une surface abstraite délicatement rendue, légèrement embrouillée sa coloration est subtile. Le motif semblable à celui du tartan évoque les racines écossaises de sa mère. Cette œuvre joue avec la lumière, la forme et l’illusion.

Jim Thomson était un artiste d’Ottawa qui travaillait avec l’argile afin de créer des céramiques uniques et expérimentales. Ses sculptures d’objets du quotidien prennent des formes architecturales ou d’autres formes transformatrices les rendant ainsi méconnaissables. Ses céramiques se caractérisent par leurs formes inhabituelles et leurs bords tranchants, leurs textures brutes et sombres, et leurs tons terreux. L’œuvre The View From Here, Dark illustre parfaitement l’approche de Thomson, elle évoque les couches de sédiment ou du substrat rocheux grâce au vernissage et à la texture.

Inspirée par le monde naturel et reconnue pour son utilisation de techniques de verre complexes, Ione Thorkelsson trouve ses matériaux dans le monde qui l’entoure afin de créer des textures tachetées et des couleurs uniques. Reflétant une profonde connexion avec le territoire, plusieurs de ses œuvres utilisent des moules créés à partir d’objets trouvés tels que des squelettes, des plumes, des racines et des arbres. Ces vases sont nommés en l’honneur de la couleur rouge vif du cardinal – un oiseau au plumage éclatant répandu dans plusieurs parties de l’est du Canada, mais que l’on aperçoit rarement au Manitoba, la province natale de l’artiste, ou en Alberta.

Yves Trudeau était un éminent sculpteur qui a façonné de manière significative le paysage artistique québécois avec son style moderniste et ses œuvres d’art public innovantes. Durant sa vie, Trudeau s’est impliqué dans de nombreuses associations faisant la promotion des droits et statuts des artistes. Mur Fermé et Ouvert fait partie d’une série d’œuvres aux titres similaires qui explorent le contraste entre l’ouverture, qui signifie la lumière et l’espoir, et le cloisonnement, qui symbolise la tristesse et la haine. Les formes simplifiées, les matériaux industriels et le message intégré à l’œuvre sont emblématiques de la pratique de Trudeau.

Bert Weir était un peintre, militant écologiste et ancien membre des Forces armées canadiennes de Parry Sound en Ontario. Il était connu pour ses œuvres colorées semi-abstraites, souvent enracinées dans la relation intrinsèque entre les mondes naturel et spirituel. Owl Lake Reflection est caractéristique des représentations que Weir faisait de la région sauvage du Nord de l’Ontario, on y voit les vagues ondulantes du lac Ontario au bord duquel Weir résidait chaque été. 

Jessica Winters est une artiste inuk du Labrador dont les peintures détaillées reflètent un savoir scientifique et culturel. Sa pratique est très influencée par ses études en biologie qu’elle met à profit pour plaider en faveur de la préservation et de la protection de l’environnement arctique et des modes de vie inuit. La représentation photoréaliste que Winter fait du lichen, du granit et de la neige est créée grâce à un processus d’observation soutenu qui traduit sa vive curiosité pour la toundra et ses connaissances approfondies de celle-ci.

Kyran Yeomans est un sculpteur, photographe et cinéaste haïda qui vient d’une longue lignée d’artistes respectés. Ses œuvres, qui vont de miniatures détaillées à des mâts totémiques monumentaux, mêlent le design traditionnel haïda aux esthétiques contemporaines. Sunrise est un panneau de bronze qui représente la figure du soleil. L’œuvre reflète le rôle essentiel du soleil en tant que source d’énergie et de vie, et son lien symbolique avec les cycles de vie et les transformations saisonnières. Cela met de l’avant le respect de l’artiste envers son héritage et le rôle central de la nature et de l’environnement dans l’art et la culture des Haïdas.  

Canadienne n. Corée de Sud, Jinny Yu est une artiste, éducatrice et nomade autoproclamée. À travers ses peintures, Yu examine la nature de la migration et du mouvement, réfléchit aux relations entre les groupes sociaux et explore sa propre identité. Elle tire des schémas de ses expériences de différentes cultures et de divers lieux, créant des œuvres abstraites qui font appel à son sentiment d’appartenance et au détachement qui proviennent de ses expériences de l’immigration et de la relocalisation.

Mary Yuusipik Singaqti était une couturière et artiste inuk. Elle appartient à la dernière génération d’Inuit qui ont expérimenté le mode de vie nomade avant de se sédentariser de manière permanente dans le hameau de Qamani’tuaq (Baker Lake) au Nunavut. Winter Scene/Summer Scene est une tapisserie qui présente les différentes saisons inuit expérimentées sur le territoire de l’Arctique. Elle salue l’utilisation durable des ressources naturelles tout en célébrant l’expérience arctique comme partie prenante de l’identité canadienne.